Im Zentrum der Ausstellung stehen die Positionen der chilenischen KünstlerInnen Sebastián Calfuqueo Aliste und Paula Baeza Pailamilla, die sich in ihren Arbeiten explizit auf ihre Zugehörigkeit zum indigenen Volk der Mapuche beziehen.

Bis heute verwalten die Mapuche ihr Land in einer Art von Gemeinbesitz und verstehen sich als Teil der Natur und nicht als deren Eigentümer. Tradierte gemeinschaftliche Rituale und Rollenkonzepte konstituieren und justieren die Beziehungen der Mapuche zu ihrer Umwelt. Das Wissen um die (Heil)-Kräfte der Natur wird kontinuierlich tradiert und weiterentwickelt, individuelle physische und psychische Krankheiten werden auch auf einer kollektiven Ebene behandelt.

Im Laufe verschiedener Kolonialisierungswellen - auch durch gewaltsame Landnahme und dann Vergabe an deutsche Siedler im 19. Jahrhundert - wurde das Wallmapu, das ursprüngliche Land der Mapuche in Chile, bis heute weit zurückgedrängt. Während die kommerzielle großflächige Nutzung des Bodens durch die ehemaligen Siedler und heute mächtigen Großgrundbesitzer die Fläche ihres Territoriums stark eingrenzte, zerstören aktuell die rohstoffabbauenden Projekte transnational tätiger Unternehmen die dort noch befindlichen intakten Ökosysteme. Der chilenische Staat verfolgt seit dem frühen 20. Jahrhundert die Strategie einer radikalen Assimilation der Mapuche-Identität. Auch das Zustandekommen der ILO Konvention 169 im Jahr 2008 zur Wahrung von Rechten der indigenen Bevölkerung führte zu keiner grundsätzlich Verbesserung im Kampf um die Rückgewinnung der Territorien.

Die performativen und zeitbasierten Arbeiten der beiden KünstlerInnen reflektieren diese Themen in einem globalen Kontext und machen die kosmologische Perspektive der Mapuche auf Land, Natur, Geschlecht und Spiritualität in ihrer jeweils eigenen poetischen Sprache und Ästhetik sichtbar.

Der Titel "to re - collect" bezieht sich im Hin- und Rückblick auf die (neo)-kolonialen Tatbestände daher zum Einen auf das Sichtbarmachen der bis heute andauernden Bemühungen der Mapuche um Wiedererlangung ihres Landes. Darüber hinaus möchte die Ausstellung die Vorstellungen der Mapuche von Körper, Besitz und Landschaft näher untersuchen und von diesen ausgehend überlegen wie diese die global vorherrschenden Konzepte von Ökonomie und Gesellschaft beeinflussen können. Die beiden KünstlerInnen erarbeiten während ihrer Zeit in Köln eine neue gemeinsame Performance, die am 16. Oktober zur Eröffnung der Ausstellung gezeigt wird.

Ausstellungsdauer: 17. Oktober - 21. November 2020
Eröffnung mit Performance: 16. Oktober 2020
Künstlergespräch: 23. Oktober 2020

(!!! Gemäß der aktuellen Corona Verordnung können sich max. 4 Personen gleichzeitig im Ausstellungsraum aufhalten. Wir werden den Zugang steuern, wartende Personen können unter Einhaltung des Abstandsgebotes draussen warten. Die Performance ist vom Straßenraum aus zu sehen.)

Ein weiterer Termin mit Experten zu den Themen Mapuche, Landraub, Gemeinbesitz und Commons ist in Planung und findet Ende Oktober/ Anfang November statt.

Die Ausstellung wird unterstützt durch Mittel der Kunststiftung NRW, der RheinEnergieStiftung Kultur und des Kulturamtes der Stadt Köln und ist Startpunkt des von STRIZZI organisierten Festivals Die Welt FÜR KALK, das sich von Anfang Oktober bis Mitte Dezember an öffentlichen und privaten Orten in ganz Kalk auf die Suche nach neuen möglichen Formen von Gesellschaft macht. Ausgehend von den multikulturellen lokalen Wurzeln des Stadtviertels richtet sich der Blick auch auf weitere (vielleicht bislang noch fremde) Konzepte von Gemeinschaft und Ökonomie. In Performances, Ausstellungen und Workshops werden sowohl internationale als auch auch lokale Akteure und Positionen miteinbezogen und gezeigt.

Paula Baeza Pailamilla (*1988) stellt in ihren Performances ihren Körper als den ursprünglichen Ort der Sichtbarkeit eines Kampfes, eines Konflikts, eines Unbehagens in den Vordergrund. Mapuche zu sein, als Frau identifiziert zu werden und in der Stadt geboren zu sein, sind für sie die Bedingungen, die die künstlerische Ästhetik ihrer Aktionen prägen und die verschiedenen Formen der kulturellen, politischen und wirtschaftlichen Kolonialisierung offenbaren. In ihren Performances verwendet und beleuchtet sie die kulturellen Konzepte von Geschlecht, Rasse und Klasse. Ihre Performances und Videoarbeiten wurden in verschiedenen Theatern und Galerien in Chile, Argentinien, Uruguay und Kolumbien und Finnland gezeigt. Sie war Artist in Residence des Collaborative Art Residencies-Programms von REDCULTURA in den Jahren 2017 und 2018 und hat im Museo de la Memoria in Santiago de Chile mit Sebastián Calfuqueo und Bernardo Oyarzún ausgestellt.
paulabaezap.wixsite.com/-paulamilla

Sebastián Calfuqueo Aliste (*1991) stammt ebenfalls vom indigenen Volk der Mapuche ab und wuchs in der Hauptstadt Santiago in konstantem Kontrast zwischen der Kultur seiner Vorfahren und des europäisch geprägten Zentrums des Landes auf. Die Geschichte dieser Transkulturation ist bei seinen Arbeiten stets der Ausgangspunkt für seine eigene Biografie sowie für das Schicksal anderer, welches er in seinen Performances, Skulpturen, Fotografien und Installationen stellvertretend verarbeitet. Zu den jüngsten Ausstellungen gehören Einzelpräsentationen im Performance Space New York, Galería 80m2 Livia Benavides, der Galería D21, der Galería Metropolitana, im Parque Cultural de Valparaíso und im MAC - Museo de Arte Contemporáneo.
sebastiancalfuqueo.com

Kurator: Flo Müller

Haka ist eine Künstlerinnengruppe mit Sitz in Uppsala, Schweden. Die Mitglieder sind Katarina Sundkvist Zohari, Helena Laukkanen, Agneta Forslund, Natasha Dahnberg und Anna-Karin Brus. Sie gründeten Haka 2003 und teilen sich ein Atelier in der Nähe des Zentrums von Uppsala. Die Zusammenarbeit hat zu vielen nationalen und internationalen Ausstellungen, kuratorischen Projekten, Seminaren und Vorträgen geführt. Die Künstlerinnengruppe betreibt den Projektraum Köttinspektionen zusammen mit Uppsalas Fria Teater und Köttinspektionen Dans.

In den verschiedenen Medien, von Skulptur und Malerei bis hin zu Installations-, Klang- und Videokunst, setzt sich Haka im Zuge ihrer Ausstellung Happy Mess mit affektiven Glücksbegriffen auseinander.

Haka is a group of artists based in Uppsala, Sweden. The members are Katarina Sundkvist Zohari, Helena Laukkanen, Agneta Forslund, Natasha Dahnberg and Anna-Karin Brus. The group was formed in 2003 and its members share a studio just outside the center of Uppsala. The cooperation has resulted in many national and international exhibitions, curator projects, seminars and lectures. Haka operates the artist-run art space Köttinspektionen together with Uppsalas Fria Teater and Köttinspektionen Dans.

In this exhibition Happy Mess the artist group Haka mainly works with affective concepts of happiness. Haka's members work with various media, from sculpture and painting to installation, sound and video art.

The Cologne-based artists Julia Dick and katharinajej have been working together as a duo under the moniker katze und krieg since 2007. In slow motion and clad in the most beautiful ball dresses they go shopping at the supermarket, or, they scream their heads off while beating the hell out of fences and street light posts in the clean and tidy neighbourhoods of the city - just in order to release their reawakened “inner animality” - or use a landing net and rod to catch passersby for their harem. Their interventions have been realized in German-speaking countries as well as internationally.

At Köttinspektionen katze und krieg are showing a selection of documentation videos of their performance work and on a wide screen. On the course of the opening weekend a limited group of visitors is allowed to take place of the interim showing of their new performance playing around.

interim showing of the performance:

playing around

no expectations
no judgements
no planning
no aim
no pressure
no manipulation
no compulsion
no power
no superiority
no meaning
no theory
no foreknowledge
no rigidity
no past
no future
no intent
no severity

katze und krieg are playing around in public space. They use what they find at situ, barefoot, open for what`s about to happen. Come and witness their play!

Maximum 10 visitors are allowed to follow the outdoor performance on the 14th of August, 4 pm.
Please sign up to take part of the performance. Write an email to: köttinpsektionen The exhibition will be on view from August 14 – 30, 2020 the opening is on August 14, 3 – 7 pm.

Visit the artist duo’s website for further information: https://www.katzeundkrieg.de/home.html

In my hands presents the latest edition „IT´S A PHOTO love story“ with an exhibition at the Strizzi.space. 25 young artists will present an intimate insight into their life and visual thought process. They will take us on a journey of moments and encounters between direct and unapproachable contacts. In black and white we will see concrete, light and shadows or just silhouettes until the image space appears to dissolve. The first look widens for a new but close mystery. The discoveries lie invisible behind visible in the virtual space, telling of nature, friendship, desire, past and constant.

To be seen in other hands by other eyes is IN MY HANDS a photography magazine for young artist to show the variety, perseverance, thoughtfulness, inspiration, creativity, defiance and curiosity of photography. With the 4th edition „IT´S A PHOTO love story“ held at the Strizzi.space, IN MY HANDS presented for the first time a thematically curated exhibition which invited visitors to be become part of this project, by curating their own love story magazine on site.

With photographs by:
Fabio Aranzulla, Soeren Baptism, Julie Batteux, Henry Boebst, Taissa Fromme, Elisa Goldammer, Sina Guntermann, Biniam Graffé, Inka Hilsenbek, Anna Hofmann, Tobias Huschka, Johann Husser, Sarah Letalik, Antonia Koerfer, Christian Limber, Felix Miebach, Meike Männel, Louisa-Marie Nübel, Julia Perkuhn, Xiaoyue Pu, Anna Rupp, Robert Schittko, Jannis Uffrecht, Stella Weisel, Lilith Wolf

Music by our favourite Dj Team "Dj Ich liebte dich“

We do it, but we do it soft! This is a soft opening, please bring your mask with you and pay attention to a distance of 2 meters. Please be patient, because unfortunately, only a small number of visitors can enter the room.
Already today we would like to thank you for your understanding and look forward to a great evening with you to celebrate the latest Issue of IN MY HANDS!

DAS ERWACHEN DER MONGOLIDEN / MORNING OF THE MONGOLOIDS

A work by YOUNG-HAE CHANG HEAVY INDUSTRIES

YOUNG-HAE CHANG HEAVY INDUSTRIES is Young- hae Chang (Korea) and Marc Voge (USA). Based in Seoul, they have written their signature animated texts set to their own music in 26 languages and shown many of them at some of the major art institutions in the world, including Tate, London, Centre Pompidou, Paris, Whitney Museum and New Museum, New York. They have been in the Venice and São Paulo Biennials, among others, won the Webby Award for best art Web site, San Francisco, received a Foundation for Contemporary Arts grant, New York, and been Rockefeller Foundation Bellagio Center Creative Arts Fellows. M+, in Hong Kong, has acquired an ensemble of all of their past and future work, YHCHANG.COM/AP2: THE COMPLETE WORKS.

DAS ERWACHEN DER MONGOLIDEN / MORNING OF THE MONGOLOIDS, 2007 (2016 for this version)
Original text and music soundtrack, 5 min 37 sec
HD QuickTime movie, flexible dimensions

(Picture: Installation view, Morning of the mongoloids, Young-Hae Chang Heavy Industries, at Strizzi Space, Cologne / Germany, May 2020)

http://www.yhchang.com

Eröffnung: 28.02.2020, 19 Uhr

Dauer: 29.02. 2020 – 28.03.2020

Öffnunszeiten: Samstags 14 bis 16 Uhr

Die Ausstellung Als mir der Rucola auf den Staubsauger fiel handelt vom Verhältnis der inneren Ästhetik zur äußeren Ästhetik. Darin spielt die Spiritualität ihre Rolle sowie kesse und kecke Elemente. Der visuelle Aushang zur Ausstellung zeigt eine moderne Version eines Propheten in Anlehnung mittelalterlicher Darstellungen. Beteiligte Artists sind Alex Djidjewdjew, Zuza Golińska, Bernhard Holaschke, Aurel Iselstöger, Pola Mika Lara Kapuste, Magdalena Mitterhofer, David Ostrowski und Philipp Pusch. Kuratiert ist die Ausstellung von Alex Pilarski.

Magdalena Mitterhofer in her first solo performance:
https://vimeo.com/396305453

Eröffnung: 24.01.2020, 19 Uhr

Dauer: 25.01. 2020 – 15.02.2020

Öffnunszeiten: Samstags 14 bis 16 Uhr

Der Hamburger Zeichner Anton Engel und die Berliner Köchin Paula Erstmann bespielen gemeinsam den Projektraum Strizzi. Gezeigt wird eine Auswahl von Zeichnungen, darunter eine großformatige, zum Anlass der Ausstellung entstandene Arbeit, sowie ein kulinarischer Beitrag, der von den BesucherInnen beim Betrachten der Bilder verzehrt werden kann. Die Ausstellung setzt sich mit Entspannungs- und Erschöpfungszuständen, mit Genuss und Zerfall auseinander.

The Hamburg based drawer Anton Engel and the Berlin cook Paula Erstmann will jointly use the Strizzi project space. A selection of drawings will be shown, including a large-format work created for the occasion of the exhibition, as well as a culinary contribution which can be consumed by the visitor while viewing the dawings. The exhibition deals with states of relaxation and exhaustion, with enjoyment and decay.

Ausgangspunkt der Installation von Jörg Obergfell sind einfache Geräteschuppen im Norden Japans. Diese kleinen, improvisierten Gebäude sind etwas grundlegend anderes als jene Konstruktionen, die von Architekten – den ›Schöpfern von Form‹ – entworfen werden. Sie sind gewissermaßen eine unerwünschte Erinnerung daran, dass Dinge älter und langlebiger sind als Ideen und dass es gelegentlich sogar schwierig sein kann, zwischen den beiden zu unterscheiden.
Sie dienen in dieser eher armen Gegend hauptsächlich zur Lagerung von Materiali-
en für kleine Landbewirtschaftungen oder werden als Freizeithäuschen genutzt. Viele dieser Konstruktionen zwischen Chaos und Ordnung weisen auf eine gewisse Übersteigerung ihres Zweckes, einen Übermut in der Ausführung hin. Durch einen kreativen Umgang mit Resten wird auf eindrückliche Weise eine Notwendigkeit unbewusst künstlerisch gelöst.
Jörg Obergfell fotografierte eine Vielzahl dieser kleinen „Architekturen ohne Architekten“ sowohl im Sommer als auch im dortigen sehr schneereichen Winter. 288 der so entstandenen Fotografien werden wandfüllend im Ausstellungsraum für Brauchbarkeit gezeigt.
Eine improvisierte Struktur, die die Elemente der Schuppen von Aomori aufgreift, findet an- grenzend ihren Platz im Raum.
Die Ausstellung wird unterstützt von der Kunststiftung NRW.

Vernissage: Freitag, 20. Oktober 2017, ab 19.00 Uhr
Laufzeit: 21. Oktober - 25. November 2017
Öffnungszeiten: Samstag, 14 — 18 Uhr und auf Anfrage

CV JÖRG OBERGFELL

• 1978 in Köln / lebt und arbeitet in Köln
  1997-2000 Vocational school for woodcarving Garmisch-Partenkirchen
  2002-2003 Exchange studies École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Lyon
  2000-2006 Academy of Fine Arts, Nuremberg 2006, Master class student of Ottmar Hörl
  2006-2007 Master of Fine Arts, Goldsmiths College, London

Solo exhibitions:
2016 Jörg Obergfell, gradus, Köln
2013 Towers and Trees, galleryem, Seoul
2011 Tout est construit, CEAAC, Strasbourg
2010 Second nature, Gallery Muro, Genève
Kunsthalle Mainz
2009 Kompakter Ereignishorizont, Kunstbunker Nürnberg
Vollversammlung, Wewerka Pavillion 2, Münster
Tower blocks and tunnels, Bearspace, London
2005 Frischzelle 1, Kunstmuseum Stuttgart (c), Debut, Kunstverein Offenburg (c)

Awards, Scholarships:
2013 ACAC residency, Aomori, Japan
2012 Cité Internationale des Arts, Paris
2010 USA-scholarship of the Bavarian State Department for Science and Art 2007 Changdong Art Studio, short-term residency, Seoul
2006 Black Forest Culture Award
Postgraduate Award from the German Academic Foundation
Postgraduate Award, Arts and Humanities Research Council, UK 2004-2007 Grant from the German Academic Foundation
Acadamy Award from the Acadamy of Fine Arts in Nuremberg

Group Exhibitions (Selection):
see here [Press Pdf]

„Ich mache mir erst Sorgen, wenn ich nicht mehr kopiert werde.“
(Phoebe Philo –Céline Designerin)

“I couldn‘t care less“
(Miuccia Prada –Prada & Miu Miu Designerin)

Mit welcher Art Objekt haben wir es zu tun, wenn sich die Kopie weder in ihrer Materialität noch ihrer Funktion bzw. ihrem Aussehen von dem Original unterscheidet und es lediglich der autorisierte Label-Anhänger ist, der das Objekt als original auszeichnet?
In China ist die Kopie ein Zeichen der Wertschätzung und Anerkennung des vervielfachten Gegenstandes: Das Objekt ist von solcher Bedeutung, dass es sich zu Kopieren lohnt.
Kuratiert von Sally Müller.
Zur Ausstellung erscheint eine Edition, die im Ausstellungsraum zum Vorzugspreis von 49,90€ erworben werden kann.

Vernissage: Freitag, 9. September, ab 19 Uhr
Ausstellung: 2. September – 14. Oktober 2017, immer samstags 14 – 18 Uhr und auf Anfrage
https://www.facebook.com/events/123960114902876/

Kölner Stadtanzeiger vom 3.10.17

CV JULIA WEISSENBERG
*1982
in Bergisch Gladbach/ lebt und arbeitet in Köln
2016
Workshop mit Marco Roso (DIS), Autocenter Berlin
2012
Diplom mit Auszeichnung, Kunsthochschule für Medien, Köln
(Prof.Dr.Karin Harrasser, Prof.Matthias Müller, Prof.Johannes Wohnseifer)
2007-2012
Kunsthochschule für Medien, Mediale Künste, Köln
2005-2007
Kommunikationsdesign, FH Düsseldorf

Stipendium / Preise
2017
Videokunst Förderpreis, Bremen, Deutschland
Artist in Residence, Goethe-Institut & Geka e.V., Peking, China
2016
Artist in Residence, Flaggfabrikken, Bergen, Norwegen
Artist in Residence, german-chinese exchange, Geka e.V., Berlin
Besondere Erwähnung der Jury, Stuttgarter Filmwinter, Deutschland
2015
Artist in Residence, Art Space Geumcheon, Seoul, Südkorea
2014
Chargesheimer Stipendium der Stadt Köln für Medienkunst, Deutschland
NRW Stipendium, Schloss Ringenberg, Hamminkeln, Deutschland

Einzelausstellung
2017
Videoarbeiten | Julia Weißenberg, Goethe Institut, Peking, China
St.Open, mit Selma Gültoprak, Kleine Alhambra im Lohsepark, Köln
2016
Let‘s just imitate the real until we find abetter one, MATJÖ, Kunstraum,Köln
2015
SOFT COMPANY, mit Mia Boysen, Ackerstrasse 24, Düsseldorf
Form, Line, Screen: Re-Viewing Architecture, Total House, Melbourne, Australien
2014
Concrete Shore, Artothek, Köln

Die Ausstellung | transient | zeigt die Arbeiten des jungen Graphikers und Künstlers Thibault Duchesne aus Paris. Im Mittelpunkt steht die Videoinstallation „The Transitory Life of Water“, die das Erleben einer synthetisierten Landschaft als Innenraum in den Mittelpunkt stellt. Immerwährend, in Schichten aufeinander gelegt, bewegen sich die ineinander fallenden Wellen stetig im Loop. Meditative Bewegungen einer vermeintlich natürlichen Landschaft, die jeder in seiner Erinnerung gespeichert hat. Diese Bilder der eigenen Erinnerung verfließen in die Projektion, versetzen assoziativ in die atmosphärische Stimmung.

Natur als Konstrukt des menschlichen Handelns – ein Seitenhieb auf die geo- und kulturwissenschaftliche Debatte um das Zeitalter des Anthropozän? Eine Dekonstruktion der über Jahrhunderte vererbten Dualität von Natur und Kultur?

Die Grenze zwischen Realität und Fiktion verschwimmt. Unvermittelt kreiert die eigene Imaginationskraft aus den Versatzstücken eine Wirklichkeit, die zur Introspektion auffordert. Das Wasser ruft seine beruhigende und gleichzeitig aufwühlende Wirkung auf. Erweckt den Wunsch hineinzutauchen. Denn aufs Wasser schauen bedeutet auch – sich selbst anblicken.

Oskar Klinkhammers Arbeiten sind Ergebnisse eines intensiven sensorischen Forschungsprozesses, der letzten Endes auf optische und akustische Reize überführt und reduziert wird. Seine Intuition gibt die Ordnung vor, die er im Prozess – auch etwa in Formen des Sammelns – stets im Zusammenspiel mit den Materialien weiterentwickelt. Die Dinge teilen ihm ihre Verwendung mit.
Über die Material- und dessen Formfindung, gelangt er zur Konstruktion und Inszenierung von Szenen, Räumen und Bildern, die sich mit den unterschiedlichsten Themen, wie unter anderen Vergänglichkeit, Wiederholung, Monotonie, aber auch Perversion, Zwang, Neurose oder Fetisch und damit auch Patriarchat oder Kontrollgesellschaft auseinandersetzen. Dabei spielen auch die diesen Begriffen innewohnenden positiven Seiten, ihrer Schönheit als Teil und Funktion des Lebens und Daseins in unserer Gesellschaft, eine wichtige Rolle.
Kuratiert von Simon Roth.

Öffnungszeiten: Samstag, 14 – 18 Uhr und auf Anfrage

An eine Idee anknüpfen, beim Gespräch den Faden verlieren, einen Gedanken weiter spinnen, sich in Argumenten verstricken. Unsere Sprache ist voller Bilder von einer der urältesten menschlichen Kulturtechnik. Der Fokus von Olga Jakob liegt besonders auf Textilien. Mit keinem anderen Material ist der Mensch täglich so lange in Berührung.

In dieser Distanzlosigkeit sieht Olga Jakob eine Stärke, da es eine Vertraulichkeit und Selbstverständlichkeit mit sich führt. Diese Unmittelbarkeit des Materials ist Ausgangspunkt für ihr künstlerisches Handeln. Das Textile ist eine Weltsprache im globalen Kontext. Dinge verketten sich miteinander und werfen stetig neue Fragen auf.

Kuratiert von Simon Roth.
Interview von Peter Backof, Deutschlandfunk, mit Olga Jakob