Supersymmetry is a group show curated by Yellow, an Italian artist-run space and a research project, focused on contemporary painting, founded in 2014 in Varese and operating across Italy and Europe. One of its aims is to promote international exchanges and networking between similar realities and amongst artists. Following this mission, Yellow lands in Cologne at Strizzi and will then welcome the latter in its hometown, Varese, in February 2019.

The title of the show takes inspiration by the principle of Supersymmetry in particle physics, according to which, each particle is associated to another particle, a Superpartner, equal in mass and internal quantum numbers besides spin. Metaphorically, to Yellow corresponds Strizzi in Germany. Both the spaces have been working in their own countries as non profit industries, dedicated to talent scouting, supporting emerging artists, and pursuing international relationships in the contemporary arts.

The artists invited to exhibit and to explicit Yellow's identity, are seven Italian emerging painters. They propose different approaches and strategies to contemporary painting and offer a view on what's going on today in Italy.

A text by Italian curator Giulia Gelmini, will deepen the work of each artist.

Utz Biesemann, Signe Raunkjaer Holm, Daniel Hopp und Laura Sigrüner sind vier Hamburger Künstler*innen. Zwei von ihnen gründeten 2017 ein Künstlerkollektiv welches unter verschiedenen Namen regelmäßig ausstellt und interveniert. Eine Reihe von Projekten und künstlerischen Arbeiten gingen bereits aus den einzelnen Konstellationen hervor. Im Kalker Ausstellungsraum Strizzi entwickeln sie unter dem Titel FIFFI erstmalig gemeinsam eine Arbeit.

STRIZZI presents works by the artists Shigeru Takato and Julius Brauckmann, both living in North Rhine-Westphalia, as a two-fold exhibition at Palazzo Campofranco, Palermo, Italy.
The show is part of the official collateral event program of manifesta 12.

-I- Shigeru Takato

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Opening 6th oct., 7pm (duration 7th - 11th oct., 4-8 pm)

The work groups „Caves“ and „Television Studios“ are on-going photographic projects. The former constitutes a series of photographs taken from inside caves of archaeological significance. They show the caves‘ openings from inside inviting the views of the landscapes, whose antecedent was supposedly seen by the cave dwellers of prehistoric humans. The cave represents as a place of viewing towards outside world, as a place of tele-vision with a frame.

For the other work group „Television Studios“ the artist has been travelling to different countries of the world to photograph news- and television studios since 2001. The television studio functions as a hub and a cluster of information as well as a filter of global events, which hold the power in order to influence our view of the world. The series shows the television studio as empty room without human presence or any activity, photographed just before the broadcasting. Over the years more than 200 television studios from Europe, Asia, South America and Middle East have been photographed for the series.

-II- Julius Brauckmann

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Opening 13th oct., 7 pm (duration 14th - 18th oct., 4-8 pm)

For the exhibition at Palazzo Campofranco Julius Brauckmann uses soft, deformable materials and leaves them in the condition of their delivery from the manufacturer. These industrially manufactured objects are packed into transport boxes and send per airfreight to Palermo. By deliberately not using fastening device, the transit inevitably leads to the deformation of the basic shapes. After the transport they are shown unchanged at Palazzo Campofranco. In only preparing the material and standardized forms, the artist revokes himself in giving shapes. Necessary procedures as the transport of art pieces are basic parts of an artistic process and main content of his concept.

The work of Julius Brauckmann thematise the operating system art. One of his works called Namedropping (2014), where a parrot counts the 50 most expensive artists according to artfacts, is an example for his confrontation with the conditions of art production.

location: Palazzo Campofranco
Piazza Croce dei Vespri 8
90133 Palermo
Italy

web: www.strizzi.space
mail: ciao@strizzi.space

sponsored by: Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen

curated by Gabrielle Tramond

Traktat eines Ensembles Un titanic, reprise is an exhibition by Mateo Revillo and Edgar Sarin as part of a prologue calendar of the work Un titanic, reprise. Un titanic, reprise is a major scale work presented in Paris as part of the 2018 Nuit Blanche. On October the 6th, a complete society of more than 300 men and women will invest the territory of the Île saint-Louis and will be organized throughout the night around a circuit of production of more than 3500 small confections of mud, salt crystals and straw.
As part of a research on the para-aesthetics of the effort, Traktat eines Ensembles Un titanic, reprise will present a set of works realized during a residence of 58 hours in Cologne, signed as the sketch of the complete body of a ruined landscape.

Mateo Revillo is a painter born in Madrid in 1995. Edgar Sarin is a French sculptor born in Marseille in 1989.
Gabrielle Tramond is an parisian art historian, born 1991 and curator in residence at Strizzi.

Traktat eines Ensembles Un titanic, reprise est une exposition présentée par Mateo Revillo et Edgar Sarin dans le cadre d’un calendrier prologue à l’œuvre Un titanic, reprise.
Un titanic, reprise est une œuvre d’ampleur sans égale présentée à Paris dans le cadre de la Nuit Blanche 2018. À 19:00, le samedi 6 octobre, une société complète de plus de 300 hommes et femmes investira le territoire de l’île saint-Louis et s’organiseront tout au long des douze heures de la nuit autour d’un circuit de production de plus de 3500 petites confections de boue, cristaux de sel et paille.
Dans le cadre d’une recherche sur la para-esthétique de l’effort, Traktat eines Ensembles Un titanic, reprise présentera un ensemble de travaux réalisé lors d’une résidence de 58 heures à Cologne, signés comme l’esquisse du corps complet d’un paysage en ruine.

Mateo Revillo est une peintre né à Madrid en 1995. Edgar Sarin est un sculpteur français né à Marseille en 1989.

Eröffnungsausstellung STRIZZI

Der ehemalige Ausstellungsraum für Brauchbarkeit schlägt mit einem neu zusammengesetzten kuratorischen Team frische Wege ein.

Unter dem neuen Namen STRIZZI wollen wir in Zukunft vermehrt mit internationalen Ausstellungsräumen kollaborieren. KünstlerInnen und KuratorInnen werden zu uns nach Köln Kalk eingeladen und von hier aus zu fernen Off-Spaces im Ausland aufbrechen. Der Ausbau eines internationalen Netzwerkes zwischen den Projekträumen ist das Ziel.

Die erste STRIZZI - Ausstellung zeigt Arbeiten von Rozbeh Asmani, Alexander Basile, Kristina Berning, Mia Boysen, Julius Brauckmann, Benjamin Bronni, Lisa Busche, Edi Danartono, Frauke Dannert, Turgut Dhonau, Thibault Duchesne, Pablo Ehmer, Philip Emde, Jakob Engel, Anton Engel, Paula Erstmann, Sascha Freisburger, Sebastian Fritzsch, Tristan Frowein, Janes Gärttner, Rosanna Graf, Julia Gruner, Sophia Hamann, Jan Hoeft, Bastian Hoffmann, Olga Holzschuh, Jonny Isaak, J Projekt, Olga Jakob, Andy Kassier, Oskar Klinkhammer, Sophie Kummert, Bettina Marx, Kevin Matweew, Niels Mlynek, Elisabeth Molin, Wataru Murakami, Bruno Nagel, Tobias Nink, Alex Nowak, Jörg Obergfell, Kriz Olbricht, Uta Pütz, Kathrin Rabenort, Signe Raunkjaer Holm, Arne Rawe, Peter Remagen, Thomas Reymann, Nina Rezagholinia, Jana Rippman, Markus Saile, Dominik Sartor, Ani Schulze, Sophie Schweighart, Thomas Straub, Daniel Stubenvoll, Shigeru Takato, Sebastian Thewes, Fabian Treiber, Andreas Felix Tritsch, Jessica Twitchell, Marianne Vlaschits, Magdalena von Rudy, Finn Wagner, Julia Weißenberg, Mona Zeiler und Zut Alors!

Mit der Wahl der KünstlerInnen werfen wir gleichzeitig einen Blick zurück auf die letzten Ausstellungsjahre wie auch einen oder zwei nach vorne auf die kommenden Jahre.

Das STRIZZI Programm wird gestaltet von Martina Höfflin, Lisa Alice Klosterkötter, Florian Müller, Sally Müller, Simon Roth, Julius Terlinden, Andreas Felix Tritsch.

Installation und Performance

20. April, ab 19 Uhr — Performance „O"
21. April, ab 19 Uhr — Performance „Kenko_K2" in Zusammenarbeit mit Sean Mullan
22. April, 14 - 18 Uhr geöffnet

Mira Mann zeigt ihre Arbeiten O und die Kooperationsarbeit Kenko_K2 mit Sean Mullan im Rahmen der Ausstellung O sensorama. Die Installationen werden von Performer_innen bespielt. Durch das Zusammenwirken von kulissenartigen Aufbauten, Licht, Audio und einer inhaltlich wie ästhetisch konzentrierten Inszenierung, die Kostüm und Schauspiel präzise einsetzt, wird ein futuristisch anmutendes Szenario erlebbar. Die dargestellten Situationen erinnern an Alltägliches: Ein Nagelstudio, ein Imbiss- oder Werbe-Stand, und verbinden sich mit Phantasien, Träumen oder Erinnerungen der jungen Künstlerin.
Mira Mann, 1993 in Frankfurt am Main geboren, arbeitet und lebt in Düsseldorf. Sie studiert in der Klasse von Dominique Gonzalez-Foerster an der Kunstakademie Düsseldorf.
Kenko_K2 entstand in Zusammenarbeit mit Sean Mullan. 1991 in Wien geboren, studiert er seit 2014 bei Eva Grubinger und Katharina Fritsch an der Düsseldorfer Akademie.

Kuratiert von Lisa Alice Klosterkötter

Reguläre Öffnungszeiten:
Samstag 14 - 18 Uhr und nach Vereinbarung
T: +49 (0)1635493125

„2 beds put together in an L shape“ ist erstmal nur ein gefundener Satz und Titel der Doppelausstellung von Lisa Busche und Uta Pütz.

Als erstes fällt die Ziffer „2“ im Titel auf. Stehen also die zwei Betten für die zwei Künstlerinnen? Und was hat es mit dem „L“ auf sich?
In der Tat ist der Titel sehr passend gewählt, da im wahrsten Wortsinn die beiden Künstlerinnen, die sich vorher nicht kannten, für diese Ausstellung zusammengesteckt worden sind.
Ein bisschen so, als würde man sein Hotelzimmer mit einem Fremden teilen, das Doppelbett auseinander schieben und zu einem „L“ aufstellen.

Beide Künstlerinnen sammeln Zitate, Sätze, Satzfragmente und verfolgen einen ähnlichen Ansatz, wenn es um das Entwickeln einer neuen künstlerischen Arbeit geht.
Lisa Busches und Uta Pütz` Arbeiten schwanken jeweils zwischen einem Plan, der verfolgt wird und dem Zufall, der eine Rolle spielt und spielen darf.
Ebenfalls ist die Umgebung wichtig, sind Reisen Anlass sich einzulassen, etwas zu entdecken und für die Arbeit zu nutzen.
So ist auch hier - in Kalk - der Ort, an dem sie und ihre Arbeiten sich treffen, ausschlaggebend für die Entscheidungen, die zum Konzept der Ausstellung führen.
Schon Vorhandenes wird gedreht, gewendet, reduziert und entfaltet so einen anderen und eigenen Charakter.
Fotografische Medien und Eingriffe in den Raum erschaffen eine klare, doch irgendwie traumhafte Atmosphäre, die somit wiederum auf den Titel verweist.

Kuratiert von Andreas Felix Tritsch

Sonderöffnungszeiten: 05.-10.03.2018, Montag - Samstag von 13-18 Uhr

Nachbild ist ein im Jahr 2016 gegründetes Kunstkollektiv, bestehend aus drei visuellen Künstler*innen: Elif Küçük, Tasnim Baghdadi und Moshtari Hilal.

So wie das Nachbild jenes Bild in Frage stellt, das es im Namen trägt, erkunden die Künstler*innen die Bedeutung selbigen Begriffes, welches sie ebenfalls im Namen tragen. Neben dem Film „Bild im Bild im Bild“, in dem Elif Küçük eine ästhetische Antwort bietet und das Kollektiv zugleich porträtiert, werden individuelle, wie gemeinsame Werke gezeigt.

Die Ausstellung wird Fragen der Abbildung, des Selbstbildes und der Verbildlichung in separaten Arbeiten der Künstler*innen zeigen, aber auch ihre Unterhaltung miteinander über das Bild. Eine Serie von Porträts über die Überlagerung und medienübergreifende Überarbeitung des Bildes sind der Auftakt eines fortlaufenden Prozesses: Wie schaffen wir Bilder und nehmen Räume ein jenseits stigmatisierender, essentialisierender und universalisierender Wahrnehmungsgewohnheiten.

Elif Küçük ist Mitbegründerin von Nachbild. Sie studierte Geschichte in Berlin und ist Fotografin, Illustratorin, Videografin und Artdirektorin. Elif verwendet die Ästhetik der Mode- und Werbefotografie zur Inszenierung von Körpern, die in der Regel nicht mit dieser Ästhetik assoziiert werden. Die Darstellung dieser Körper ist Teil von Elifs Arbeit. Sie selbst beschreibt ihre Bilder als komponiert und saturiert.

Tasnim Baghdadi ist Mitbegründerin von Nachbild - Sie ist freischaffende Künstlerin, Designerin und Kunstvermittlerin. In ihrer Arbeit beschäftigt sie sich mit den Themen Körper und Raum, welche durch Stilmittel der Abstraktion zu Sinnbildern für menschliches Bewusstsein und Dynamiken des Zusammenlebens werden. Sie beschreibt ihren Stil als: expressiv, repetitiv, meta-figurativ. Tasnim studierte Produktdesign in Venlo und Kunstgeschichte in Bonn, und hat bereits in London, Chicago, München und Berlin ausgestellt.

Moshtari Hilal ist Mitbegründerin von Nachbild - Sie ist freischaffende Künstlerin und beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit Porträts, Gesichtern und ihrer Familiengeschichte. Sie beschreibt ihren Stil als: analog, surreal, detaillreich. Moshtari studierte Islamwissenschaft und Politikwissenschaft in Hamburg, interessiert sich für postkoloniale Theorie und hat bereits in Afghanistan, Deutschland, den USA und u.a. Kanada ausgestellt.
nachbildkollektiv.de
qlitxclgn.de

The body of a human falls into the sand. They are covered in blood. They are crying. They are sobbing. They are starring blankly into the camera or beyond. They are dying.
Die Figur einer sich zum Vampir verwandelnden Person wird von drei verschiedenen Darstellern verkörpert. Diese als Projektionsfläche, Identifikationsfigur und Metapher nicht tot zu kriegende mythische Figur und die evolutionsartigen Phasen ihrer Transformation(en) eröffnen Fragen der Identität und Zugehörigkeit der Figur, sowie der Inszenierung ihrer Spieler.

Eine raumgroße Videoinstallation zeigt Grenzerfahrungen im französischen Calais.
Die Installation ist jeden Abend bis zum 6.1.2017 ab 18 Uhr durch die Schaufenster zu sehen.

Dominik Sartor
Um Mittag wars, da wurde Eins zur Zwei...

auf der
COFA Contemporary 2016
Preview und Vernissage 16. November, ab 16 Uhr
Halle 11.2 Stand-Nr. B-030

Vom 28. Oktober bis zum 26. November zeigt der Ausstellungsraum eine neue installative Arbeit des Kölner Künstlers Philip Emde.

Das kuratorische Team des Ausstellungsraum des Büro für Brauchbarkeit ist dezimiert und ideenlos aus dem Sommerloch zurückgekehrt und wird ab Oktober HILFSPAKETE VOM ATHENER RAUM 3 137 empfangen, um die vorübergehende Leere des Ausstellungsraumes zu füllen.

Nach langen barrierefreien Verhandlungsrunden haben sich die zwei Ausstellungsräume auf die Lieferung von 6 Rettungspaketen bis Ende Oktober geeinigt.

Neben dringend gebrauchten Soforthilfen objekthafter Art werden auch immaterielle Neuimpulse sehnsüchtig erwartet, die das kuratorische Selbstverständnis in neue Bahnen lenken sollen.
Der Inhalt der eintreffenden Pakete ist nicht bekannt. Zusammenhänge, Sinn, Display und Spaß als Aspekte des Kuratierens werden neu gedacht.

SAMSTAG, 1.10., AB 11 UHR
Spartanischer BRUNCH zur Feier des ersten Rettungspaketes.

SONNTAG, 23.10., 16 - 19 UHR
Finale LIVE-KURATION des letzten Rettungspakets mit Stream nach Athen im Rahmen des AIC Wochenendes.
Es gibt griechische Alkoholika (Kein Ouzo! Folkloregefahr!)

Kuratiert von Lisa Busche, Lena Geuer und Florian Müller

In the context of the third summer residency „Ausstellungsraum des Büro für Brauchbarkeit” is conducting an artist/curator exchange with the Athens-based off-space “3 137”. From mid August – mid September the Büro für Brauchbarkeit welcomes Kosmas Nikolaou from Athens, while in 2017 members of Büro für Brauchbarkeit will visit 3 137 in Greece.

3 137 is an artist run space in Athens founded by three greek artists/curators: Kosmas Nikolaou, Chrysanthi Koumianaki and Pari Vlassopoulou. The space is used as a studio and opens its gates 3 to 4 times per year to organize exhibitions as also events such as artist talks, presentations and performances.

Kosmas Nikolaou was born at Lycabetus, Athens in 1984. He studied Fine Arts and Architecture. His practice borrows elements from architecture and other sciences which he combines with historical facts, documents and personal experiences in order to highlight his perspective on public history. His need for cooperation and team building has also made him curate some exhibitions.

Artist talk:
DONNERSTAG, 1. SEPTEMBER 2016, 19 UHR

Zur ARTCOLOGNE 2016 präsentieren wir die letztjährige Max Ernst - Preisträgerin SOPHIE SCHWEIGHART mit Ihrer Arbeit „GESTUNDET“.

Die junge Hamburger Künstlerin erschafft bühnenartige Rauminstallationen, die geheimnisvoll, traumartig, von einer surrealen Poesie geprägt, in Momenten gar obskur und verschwommen, psychologisch wie kafkaesk anmuten wollen. Theatrale Räume als Darstellungen innerer Seelenleben, Orte von psychischer Intensität und erlebbarer Nähe. Luken, Spione, Schächte oder Spiegel gewähren spärliche Einblicke in einen konstruierten verschlüsselten Kosmos, in dem die Künstlerin selbst in einem ewig andauernden Kreislauf versinkend agiert.

Special: 24. April, 16 UHR, Kafkaeske Räume, Vortrag von Lisa Klosterkötter, in Kooperation mit dem Theater im Bauturm, anschließend gemeinsamer Besuch der Vorstellung „Der Prozess“ von Franz Kafka. Kuratiert von Lisa Klosterkötter und Florian Müller.

Die Objektgruppen von Tobias Nink irritieren und wirken auf kafkaeske Weise vertraut und fremd zugleich.

Erinnerungsstücke werden geteilt, zersägt, auseinandergenommen und ihrer Funktion beraubt. Neu zusammengesetzt bekommen die Gegenstände eine eigene, neue Gestalt, die auf sensible Weise die Geschichte des Ausgangsmaterielas und deren ursprünglichen Nutzung sichtbar macht.

Tobias Nink (*1985) lebt und arbeitet in Duisburg.
Er hat an der Kunstakademie Düsseldorf unter anderem bei Tony Cragg studiert und 2015 seinen Abschluss bei Richard Deacon gemacht.

Es muss nicht immer alles direkt zu erschließen sein und es hat etwas Poetisches, wenn es sich der rationalen Welt entzieht. Das ist auch eine Qualität von Skulptur. Ein Möbel, in seiner Funktion als Möbel, ist für mich nicht interessant. Formal ist vielleicht Gefüge oder Färbung interessant, aber in erster Linie ist es das Objekt einer bildhauerischen Auseinandersetzung mit der Gegenwart. Auch ein sentimentaler Wert oder die Herkunft steht dabei nicht im Vordergrund. Das Versiegeln und Verkleben, wie das Zerschneiden befreit sie davon, zwar als brutaler, doch auch präziser Akt. Die Arbeit, die am Ende des Prozesses entsteht, ist nicht mehr das was es mal war. Sie trägt noch die Merkmale Ihres Ursprungs, jedoch sind diese in ihrer Funktion obsolet, es ist nicht mehr zu gebrauchen und wird zum autonomen Gegenstand, dem man durchaus eine Persönlichkeit und einen Charakter zusprechen kann. Es ist ein seltsam autonomes Individuum, das da in der gewohnten Wahrnehmungswelt aufgetaucht ist. Es erscheint merkwürdig vertraut, aber ist doch losgelöst aus dem Kontext des Normalen. Diese Andersartigkeit ist nicht klar zu erfassen. Individuell, nicht durch einen erkennbaren Funktionszusammenhang, sondern eigenständig. Es bedarf nicht mehr des Nutzers oder eines Nutzens und entzieht sich ohne Rechtfertigung der rationellen Welt, aus der es stammte.

Für die Ausstellung "hubblebubble" wird Julia Gruner eine Installation eigens für den Ausstellungsraum des Büro für Brauchbarkeit schaffen. Darin hinterfragt sie die scheinbare Objektivität von Ausstellungsräumen und erforscht spielerisch deren Verhältnis zum ausgestellten Kunstwerk.
Kuratiert von Constanze Zawadzky und Florian Müller

Julia Gruner (*1984) lebt und arbeitet in Köln.

2015 hat die Künstlerin ihren Abschluss bei Katharina Grosse an der Kunstakademie Düsseldorf gemacht.